PELÍCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Father Mother Sister Brother, una lúcida y reflexiva mirada sobre la familia occidental
El siempre perspicaz observador Jim Jarmusch mantiene en su última película las coordenadas habituales por las que ha transitado a lo largo de su carrera cinematográfica.
Es obvio que el estilo personal e intransferible del director Jim Jarmusch no es apto para todos los públicos., o lo amas, o lo aborreces. Digamos que su cine es para una “inmensa minoría”. Así que si eres de los que no soportan al de Ohio, te aseguro que con Father Mother Sister Brother, su última aportación al mundo del celuloide, no cambiarás de bando.
Si estás leyendo esta línea es porque estás en el lado de mi orilla, que, por supuesto, no tiene por qué ser el correcto, faltaría más. Pero ya que tenemos algo en común, disfrutémoslo. Lo último de Jarmusch es simplemente la visión que tiene el propio director sobre ese núcleo considerado fundamental en cualquier sociedad. Me refiero a la familia, una institución sagrada de origen divino, como seguro recalcará estos días el Papa en su viaje de negocios por el estado.
Incluyendo pequeños detalles autobiográficos, Jarmusch mantiene todos los tics de su cine: ausencia de trama, escasa descripción de sus personajes, cotidianeidad, naturaleza, reflexivos tiempos muertos, y en el caso de Father Mother Sister Brother, expresiones o situaciones con algún toque surrealista que se repiten y engarzan cada una de las tres historias distintas que entroncan la idiosincrasia de la institución familiar y conforman la siempre lúcida mirada del peculiar director americano.
Por supuesto, como en todas las películas de Jarmusch, su faceta de músico y melómano queda subrayada en su banda sonora. En este caso, se apoya en la artista post-punk Anika ,con quien, aparte de crear toda la música de Father Mother Sister Brother, se marca unas dos buenas versiones de “Spooky”, que popularizara en su día la insuperable Dusty Springfield, y “These Days”, escrita por Jackson Browne y elevada a los altares por la malograda Nico.
Father, la primera de las tres historias es sin duda, la que conserva el sello más característico, digamos la más “jarmuschiana” de todas. En ella, Tom Waits haciendo de lo que todos nos imaginamos que puede ser en la realidad, un anciano hosco, huraño y reservado, aunque con un fondo de ternura y un magnetismo irresistible, recibe a sus hijos (Adam Driver y Mayim Bialik). En este primer acto de la deconstrucción de la familia occidental, Jarmusch reflexiona sobre ese hilo invisible que mantiene conectados a padres e hijos a pesar de la poca comunicación u otras barreras creadas durante el transcurso de la vida.
En su segunda historia, Mother, una insuperable Charlotte Rampling ejerce de anfitriona perfecta con sus hijas, a quienes parece colocar en el rol de amigas en una reunión de té. Se resigna a que esa reunión anual sea el único papel de madre que le queda. Sus hijas, unas antagónicas Cate Blanchett y Vicky Krieps, son las representantes de lo políticamente correcto. Las apariencias están por encima de la demoledora realidad.
Como epílogo, Sister Brother nos muestra un halo de esperanza, un hilillo de luz que se cuela por la rendija de la ventana de una oscura habitación. En ella, el turno es para dos jóvenes actores que parecen haber entrado en el universo de Jarmusch, con lo que eso significa (no les faltará trabajo). Los atractivos Luka Sabbath e Indya Moore conforman a dos hermanos mellizos a los que la pérdida de sus padres vuelve a reunir. Esta es otra gran reflexión que Jarmusch hace sobre el ineludible efecto que produce para mal o para bien el formar parte de una familia. La institución en la que no puedes elegir si quieres formar parte de ella porque te viene impuesta de nacimiento y que te va a marcar durante toda tu vida.
PELÍCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Dream scenario Kristoffer Borgli (2023) – Estados Unidos
La original, disparatada y satírica distopía de la película Dream Scenario.
Sinceramente, mis expectativas al comenzar el visionado de la película no eran muy altas. El mal llamado cine independiente americano (podría hacer un símil con la reiterativa definición de «indie español» a los grupos actuales de pop estatal) en escasas ocasiones me ha parecido interesante. Esta engañosa etiqueta, que habla de filmes de bajo presupuesto alejados del circuito comercial, engloba en realidad proyectos con medios económicos y una distribución potente. Nos intentan vender un formato de cine fresco y joven, pero el mensaje que subyace en muchos de estos títulos etiquetados como independientes sigue siendo el mismo discurso moralista, vacío y autocomplaciente que rige en las grandes producciones del cine americano desde hace ya demasiados años. Para acabar de rizar el rizo, el protagonista de Dream Scenario, la película que os quiero recomendar en esta ocasión, es el inefable Nicholas Cage, quien, salvo en contadas ocasiones, nunca ha sido santo de mi devoción.
El verdadero impulso que me llevó a darle una oportunidad a Dream Scenario fue su original y disparatado argumento: la vida de Paul Matthews, un anodino profesor universitario de biología evolutiva, da un giro radical cuando empieza a aparecerse en los sueños de muchas personas. A partir de ese momento su monótona vida cambiará para siempre.
Ya desde el primer momento te das cuenta de que la película es original no sólo en el argumento, sino en el enfoque y en la habilidad que tiene para manejarse entre diferentes géneros cinematográficos con una facilidad pasmosa. De comienzo, ya parece que estemos ante una película de terror o suspense, y no es nada extraño, ya que uno de los productores del filme es nada más y nada menos que Ari Aster, director entre otras de Hereditary (2018) y Midsommar (2019), que se entusiasmó con el guion y arriesgó su dinero en este proyecto. Pero no os equivoquéis, Dream Scenario no es una película de terror, y, aunque se den situaciones cómicas, tampoco es una comedia. Para que os hagáis una idea, podríamos estar hablando de un drama distópico-satírico, si es que se me permite la expresión.
Me sorprendieron también las evidentes denuncias a la sociedad en la que vivimos, lanzadas a diestro y siniestro en Dream Scenario. Realmente no parece una película americana. Y claro, después de verla me informé, y resulta que el director y guionista del filme es un joven noruego llamado Kristoffer Borgli, del que, casualmente, pocas semanas antes había visto un título suyo llamado Sick Of Myself (2022) otra impactante película, que como Dream Scenario critica ferozmente la obsesión que existe hoy en día por nuestra imagen y protagonismo. Evidentemente, la mirada del director escandinavo da un toque muy diferente a esta producción «independiente» americana.
Como bien dijo Calderon de la Barca «Los sueños, sueños son», y son esos sueños los que van a provocar que una persona honesta como Paul Matthews, el típico ciudadano ejemplar, se vea influenciado en su personalidad cuando se dé cuenta de cómo cambia la percepción de su persona en los demás. Nicholas Cage está quizás en uno de sus registros más comedidos y a la vez creíbles de su carrera, para el que incluso fue nominado a los Globos de Oro, en reconocimiento a la caracterización tan notable que hizo en su papel de Paul Matthews.
El poder devastador de las redes sociales, la hipocresía de nuestra sociedad, el capitalismo llevado al extremo, la cultura de la cancelación, los videos virales, las fake news, incluso la estrecha relación entre nuestros temores, frustraciones, deseos… y nuestros sueños, son algunos de los aspectos tratados en el filme, con un humor bastante negro a veces, y algunos toques surrealistas. La genial idea de Dream Scenario se ve desdibujada en su tramo final por un giro de guion que no era para nada necesario. En fin, ese debe ser el ineludible peaje a pasar si tienes que sacar adelante tu proyecto en la industria americana.
PELÍCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
El triángulo de la tristeza Ruben Östlund (2022) – Suecia
El director sueco Ruben Östlund se ha convertido en el «enfant terrible» del cine europeo, cada película que hace es una carga de profundidad contra la línea de flotación del capitalismo salvaje que impera en nuestros días. En esta ocasión, para su película El triángulo de la tristeza, ha elegido a la clase pudiente para lanzar sus dardos envenenados sin ningún tipo de disimulo.
Aparte de seguir arrasando en el Festival de Cannes, donde volvió a llevarse la Palma de Oro, premio que ya logró con su película anterior The square (2017), Östlund regresa sembrando la polémica entre la crítica y el público (creo que es justo lo que buscaba). El triángulo de la tristeza es su película más provocadora, descarada, satírica y ácida hasta la fecha. Aunque a veces pueda parecer que las situaciones sean muy forzadas, y nos muestre claramente su filiación política, también nos deja entrever su misantropía, que hace que todos los personajes que aparecen en la película tengan sus debilidades. Con Ruben Östlund tras la cámara no se salva nadie, y es justo reconocer en mi modesta opinión que ese es el punto más fuerte de su cine.
Me alegra particularmente que la reputación de Östlund vaya creciendo exponencialmente con cada filme que rueda, y creo que El triángulo de la tristeza es su película más completa hasta la fecha. Aunque no podría dejar de recomendar Fuerza Mayor (2014) reseñada anteriormente en esta publicación, Play (2011) o la antes mencionada The square (2017).
El triángulo de la tristeza empieza dando palos al superficial, hipócrita y artificioso mundo de la moda y la publicidad. Allí conoceremos a Carl, un modelo al que le van bien las cosas, y que tiene una relación con la influencer Yaya. A partir de entonces, nos serán contados en tres actos las peripecias que vivirá esta glamurosa pareja, y que os aseguro no tienen ningún desperdicio. Seguro que viéndola os recordará a la película Parásitos (2019), o a la novela El señor de las moscas. Incluso en un momento hay un velado homenaje a El sentido de la vida (1983) de los maravillosos Monty Python.
El título de la película hace referencia a ese pequeño triángulo de arrugas que se forma entre la frente y el entrecejo. A más preocupaciones, más pliegues te saldrán en esa zona. Seguro que después de leer estas últimas líneas acabas de ir a comprobar en el espejo tu grado de preocupación vital. Me imagino el resultado, lo siento.
Rodada en lugares tan paradisíacos como la isla Eubea en Grecia, a bordo del yate «Cristina O» que fuese construido en su día para el mismísimo Aristóteles Onassis. Cuenta con un elenco de actores no muy conocidos (exceptuando a Woody Harrelson, que por cierto hace un gran papel), pero que rayan a gran altura, destacando a Dolly De Leon que interpreta a Abigail, Zlatko Buric que hace de Dimitry, o la prometedora actriz sudafricana Charlbi Dean que desgraciadamente murió poco después de terminar el rodaje de la película con tan sólo 32 años de edad.
PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
La peor persona del mundo Joachim Trier (2021) – Noruega
Últimamente no he andado muy atinado eligiendo qué estrenos filmográficos iba a ver, y no quiero citar nombres, porque algunas de las decepciones que me he llevado han recibido algún premio importante. Con la película La peor persona del mundo mi suerte cambió, en principio no pensaba ir a verla, porque la venden como una comedia romántica, cosa de la que por suerte no hay ni rastro en la película, pero al indagar un poco descubrí que uno de los guionistas es Eskil Vogt, director de la incómoda y perturbadora Blind (2014), y el otro guionista y director que es Joachim Trier ya me había llamado la atención con su película del año 2011, Oslo, 31 de agosto.
La peor persona del mundo fue nominada en la edición de los Oscars de este año al mejor guion original y a la mejor película internacional. Pero aunque no obtuvo ninguna estatuilla, su protagonista principal, encarnada por la actriz Renate Reinsve, sí que se llevó un merecidísimo premio a mejor actriz en el Festival de Cannes. El filme nos cuenta el periplo vital de Julie, una joven a punto de cumplir los treinta años y que no tiene muy claro qué camino tomar en la mayoría de aspectos de su vida: laborales, afectivos, familiares, etc.
Julie tiene la posibilidad de elegir, y no una ni dos veces, el sentido profesional que quiere dar a su vida, también hace lo mismo con los hombres con quienes se relaciona sin dar el visto bueno a ninguno. Nada le llena, todo le cansa, ¿pero por qué?, ¿quizás el hecho de tener tantas posibilidades no le haga valorarlas?, ¿es quizás el miedo a madurar, o a tomar decisiones lo que complica sus diferentes elecciones?, ¿o quizás ese guiarse por los impulsos de cada momento le hace sentirse libre, pero no realizada?
Todo eso tendremos que ir descubriéndolo poco a poco en ese viaje por la treintena que inicia Julie junto a su nueva pareja Aksel, un exitoso dibujante de comics 10 años mayor que ella. Y aquí es donde vamos a ver un certero retrato de las diferencias que existen entre los cuarentones y los millenial, cuya principal característica radica en que estos últimos adoptaron íntegramente a su modo de vida internet y las redes sociales, hecho que ha influido decisivamente en las relaciones de pareja y las ha cambiado para siempre (si ya est´as por los cuarenta sabrás a lo que me refiero).
La peor persona del mundo nos muestra cómo los pilares que soportan los valores de la sociedad occidental: el trabajo, el matrimonio, la maternidad, la familia, se ven postergados cada vez más y más en el tiempo por las nuevas generaciones. ¿Quizás por su inmadurez?, ¿quizás por intentar vivir sólo el presente?, ¿será por egoísmo o individualismo?, ¿o quizás sea una decisión libre y consecuente porque han descubierto que no necesitan depender de nadie para ser felices?
Mostrándonos pasajes cotidianos de la vida de pareja, el director, con algo del cine de Lars Von Trier (pariente lejano por cierto) nos da una buena dosis de realismo, aunque también juega con la ficción en dos pasajes de la película que resultan visualmente impactantes. El guion es bastante notable salvando alguna conversación de tintes intelectualoides que escapa un poco a esa sensación de verosimilitud. La fotografía presenta una Oslo luminosa y moderna a la que entran ganas de ir, y la banda sonora también acompaña. Lo que a mi modo de entender resulta prescindible es la voz en off, que no aporta nada que los personajes no hayan mostrado.
Os aconsejo que vayáis a ver La peor persona del mundo, una película cuyo mayor acierto es haberse alejado lo máximo posible de ser una comedia romántica, y por cierto tampoco es una película feminista como dicen algunos, entre otras cosas porque está escrita y dirigida por hombres.
PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
La gran seducción
Jean-François Pouliot (2003) – Canadá
En estos tiempos de oscuridad, tristeza y aislamiento en los que no vemos todavía la luz al final del túnel, películas como la que os presento este mes se disfrutan más si cabe todavía. Y es que La gran seducción es una película amable y entrañable, como los habitantes de ese pintoresco pueblo pesquero llamado Sainte-Marie-La-Mauderne. Un pueblo que se encuentra en una tremenda encrucijada ya que la mayoría de sus habitantes viven del subsidio por desempleo que cada mes hacen cola para recoger con la cabeza gacha y un profundo sentimiento de vergüenza. El pueblo se está quedando deshabitado, los vecinos se marchan a la ciudad en busca de un futuro mejor, pero todavía queda una posibilidad de supervivencia: hay una fábrica que parece estar interesada en instalarse en Sainte-Marie-La-Mauderne. El problema es que para ello es obligatorio que en el pueblo haya un médico contratado, y parece imposible que ningún galeno quiera ir a trabajar a tan remoto lugar. La situación se complica aún más cuando el alcalde del pueblo emigra a la ciudad, y es en ese momento cuando su convecino y amigo Germain, el protagonista de la historia, toma el mando e intenta salvar la situación a la desesperada.
Además de ir conociendo a los peculiares habitantes de este pequeño pueblo pesquero, disfrutaremos de unos bonitos paisajes que en realidad están localizados en el pequeño pueblo de Harrington Harbour, Canadá; un lugar, por cierto, que te recordará a otra película que recomendamos en esta sección en su día, Maudie, el color de la vida, cuyos paisajes se encuentran unos pocos cientos de kilómetros más al sur. La gran seducción tiene también puntos en común con otras películas que han tratado el mundo rural, como por ejemplo Despertando a Ned, El inglés que subió una colina y bajó una montaña, Bienvenido, Mr. Marshall o la mítica y entrañable serie Doctor en Alaska.
La película se llevó el premio del público al mejor film internacional en el Festival de Sundance el año 2004, y está escrita por el cómico canadiense Ken Scott, que actúa también en la película (atentos a Richard, el informático). También es de destacar la fotografía, que te hace percibir la tranquilidad del lugar y casi sentir el aire puro del mar acariciando tu cara. Por cierto, debido a su éxito esta película tuvo un remake 10 años más tarde, con el mismo título y la misma nacionalidad, así que no os equivoquéis y buscad La gran seducción del año 2003, dirigida por Jean-François Pouliot.
Nos adentraremos en la historia de Sainte-Marie-La-Mauderne, un pueblo en declive abocado a la desaparición. Podría parecer un cuento triste, pero sus habitantes se encargarán en convertirlo en una comedia llena de vida, humanidad y ternura donde la dignidad humana prevalece por encima de todas las cosas. Viviremos una serie de situaciones tan desternillantes como absurdas -incluso alguna demasiado fuera de lugar y hoy considerada delito-. Pero en fin, todo sea por la supervivencia del pueblo.
Así que os aconsejo que veáis La gran seducción, una película que os mantendrá con una sonrisa casi permanente durante todo su metraje, ideal para ver en familia y que gustará a todos. Bueno, quizás a los amantes del Jazz-fusión no tanto.
PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Haz lo que debas
Spike Lee (1989) – Estados Unidos
Aparte del terrible coronavirus, otro de los hechos que ha conmocionado a la opinión pública recientemente fue la brutal detención del ciudadano americano George Floyd, que murió asfixiado a manos de la policía. Este execrable hecho causó, como era de esperar, una reacción ciudadana que manifestó su repulsa en muchísimas concentraciones por todo el país. La muerte de George Floyd fue la llama que encendió la mecha, la gota que colmó el vaso; pero desgraciadamente solo es la punta del iceberg que nos demuestra que la sociedad americana en particular, y la mundial en general, no ha avanzado mucho en los últimos 40 años en el tema del racismo. Y qué mejor ejemplo que una gran película como Haz lo que debas, estrenada justo en el ocaso de la década de los 80, dirigida por Spike Lee y que es un fiel reflejo del día a día en las calles de cualquier suburbio de una gran ciudad.
Mookie, el protagonista de la película, trabaja como repartidor de pizzas en Bedford, su barrio de toda la vida en el distrito de Brooklyn, Nueva York. Es un humilde barrio obrero, un crisol de culturas donde la raza mayoritaria es la negra. A través de Mookie iremos conociendo a unos cuantos y variopintos personajes que habitan por las concurridas calles del barrio. La historia transcurre en medio de un sofocante verano, plasmado perfectamente por el director ayudado además por una tórrida fotografía, en el que el calor parece que trastorna si cabe un poco más la conducta de algunos de sus vecinos hasta que un hecho provocará el caos.
Si bien es cierto que la acción de Haz lo que debas define un período, finales de los 80, y una localización muy exacta, Brooklyn, a excepción de los modelos de coches y el terrible estilismo y moda de aquellos años, pocos registros más han cambiado desde entonces y hasta nuestros días en el país del tío Sam. Comprobaremos cómo el racismo y la pobreza provocan la alienación de toda una generación que sabe que no va a tener una oportunidad de mejorar en su vida simplemente por el color de su piel.
El director Spike Lee, que como cualquier joven de raza negra de su generación sufrió episodios de racismo, nos muestra con gran dinamismo cómo era la vida de un joven negro en un barrio humilde, y retrata con precisión la cultura urbana del momento cuya banda sonora fue sin lugar a dudas el Hip hop, y el grupo musical más relevante de ese género Public Enemy . Curiosamente, el que suscribe, llegó hasta esta película también a través de la música, pero los culpables no fueron Public Enemy, sino el grupo vasco Negu Gorriak, quienes en su primer disco dedicaban su canción «Radio Rahim» precisamente a uno de los personajes de esta película ya que, como a muchos de nosotros, el film les causó un gran impacto. Un impacto que Haz lo que debas te provocará cuando la veas y compruebes que la situación del racismo sigue igual, si no peor, y lo único que ha disminuido desde entonces hasta nuestros días ha sido el tamaño de los reproductores musicales.
